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CRÍTICA DE «BLONDE» (2022) DIRIGIDA POR ANDREW DOMINIK

Puntuación: 2 de 5.

En la historia del cine es imposible identificar películas biográficas que no hayan agregado datos de ficción a la vida de personas retratadas en pantalla. «Blonde» es una más de esta enorme lista de films que agarraron a una figura internacionalmente famosa y la dieron vuelta para crear un relato visualmente genial, pero demasiado provocador en sus mentiras.

La película recorre parte de la vida de Marilyn Monroe, desde su traumática infancia hasta sus días finales. La misma pone el foco en su personalidad y en cómo Hollywood la transformó en una marioneta para usar y desechar.

Lo primero que vale la pena resaltar es que poco de lo que aquí se cuenta sucedió en la realidad y eso puede crear confusión en el espectador, principalmente por el tono serio con el que se retrata la supuesta vida de Marilyn. Ella no fue abusada en esa entrevista de trabajo, tampoco era la bomba sexual liberal que estaba en múltiples relaciones a la vez, ni hablaba con su hijo muerto en un aborto (que tampoco pasó como aquí se cuenta). La cinta agarra cosas de su vida y las lleva al extremo para subrayar un mensaje súper trillado en contra de la industria y, en definitiva, en contra de la Marilyn. Este retrato no es suyo, es de otra persona.

Visualmente hay una dualidad muy extraña en «Blonde». Esto se debe a que hay escenas y secuencias enteras que son hermosas de ver, filmadas en blanco y negro, con excelente iluminación y originales juegos de cámara. Una fotografía muy bella. Pero, también hay transiciones que dan un poco de vergüenza ajena y momentos surrealistas, como el del feto que habla, que cortan con toda esa maravilla técnica audiovisual.

Lo que es innegable en «Blonde» es la actuación de Ana de Armas. Ella se mete en la piel de esta Marilyn y la lleva a pantalla de manera soberbia. Es no solo muy parecida físicamente, sino en las expresiones, pese a que el guión se dedica a mostrarla como una mujer sumisa en gran parte de la película, otra enorme diferencia con la realidad. Hay momentos que están calcados de las películas reales y están geniales.

«Blonde» provoca, provoca y sigue provocando. Basada en la novela homónima de Joyce Carol Oates, es una película por momentos genial, pero por otros insoportable. Bien actuada e innecesariamente perversa con la figura protagonista. Dominik, el director, hace aquí un perfil monocromático de Marilyn, uno que no evoluciona sino que se queda con los mismos colores al comienzo y al final. Si quieren un biopic sobre Monroe vayan por otro lado, porque aquí hay poca fidelidad y respeto para con su vida.

Está en Netflix.

CRÍTICA DE «SIN NOVEDAD EN EL FRENTE» (2022 – «ALL QUIET ON THE WESTERN FRONT»), DIRIGIDA POR EDWARD BERGER

Puntuación: 3.5 de 5.

En 1930 Lewis Milestone filmó la primera adaptación cinematográfica de «Sin Novedad en el Frente», la novela escrita por Erich Maria Remarque. Ese film no solo se transformó en una de las películas antibelicistas más importantes de la historia, sino que se hizo con el Oscar a Mejor Película. Muchos años más tarde, en 1979 Delbert Mann fue el encargado de realizar la siguiente adaptación cinematográfica de dicho libro. En 2022, producida por Netflix, llegó esta reversión del mismo texto dirigida por el alemán Eduard Berger.

Si no han visto alguna de las versiones pasadas, la película nos ubica en plena Primera Guerra Mundial, para presentarnos a Paul, un joven que está muy entusiasmado con formar parte de las líneas militares alemanas en el conflicto bélico. Esa alegría y esa energía desmedida, ocasionada por todo un aparato de promoción brutal del gobierno, pronto va a cambiar, porque en primera persona la situación es muy diferente a la que todos le hacían creer.

La película comienza de manera excelente, mostrando una pila de cadáveres alemanes, con un plano secuencia que nos pone en la piel de un soldado y de su desesperado miedo por morir luchando. Vemos como los cuerpos son retirados y limpiados, y como sus ropas son refaccionadas para que nuevos soldados las utilicen. Esos primeros 5 minutos son geniales, te ponen los pelos de punta e introducen la historia de manera contundente.

A partir de allí nos presentan al protagonista y lo que vemos nosotros es la guerra desde sus ojos. Vemos como un joven energético y ansioso por ir a luchar se transforma en un peón más, en una ficha obsoleta que se posiciona en un tablero absurdo. Esa metamorfosis que hace el personaje, con una crítica profunda hacia el hecho bélico en sí, es el gran fuerte de la película. Es real que el mensaje no tiene la fuerza como en la primera cinta, realizada a unos años de la finalización de la Primera Guerra Mundial, pero de igual manera emociona.

Filmada con precisión, con muchos planos secuencia y con imágenes que parecen calcos de «1917» de Sam Mendes o de «Rescatando al Soldado Ryan» de Steven Spielberg, la película es un espectáculo visual y sonoro creado para emocionar y para mostrar una vez más la crudeza de la guerra. Un toque sobreactuada en ciertos momentos por Felix Kammere y con un salto temporal que corta un poco con el ritmo tan bien manejado en general.

«Sin Novedad en el Frente» es una buena nueva versión del libro de 1929. Una película hermosa desde lo visual, pero que aporta poco nuevo al género. Para descubrir la historia está muy bien si no han visto los films anteriores.

Está en Netflix, dura 147 minutos y es la película que Alemania presentó para los 95° Oscars.

CRÍTICA DE «BURNING» (2018), DE LEE CHANG-DONG.

«Burning», dirigida por Lee Chang-dong.

Hace unos años, en el 2010 específicamente, el director de Corea del Sur Lee Chang-dong nos regaló una hermosa película llamada «Poetry», una cinta que como bien dice su título está llena de belleza visual y narrativa.

Ocho años después este fascinante realizador regresó con «Burning», un thriller que es de lo mejor de este 2018.

Aquí se cuenta la historia de un joven, hijo de familia desestructurada, de nombre Jong-Soo. Él tiene un encuentro casual con una antigua compañera de colegio, Hae-Mi, una mujer que cuando eran chicos no se llevaban muy bien, pero que de grandes parecen tener una conexión especial. Pero, de un segundo para el otro ella le dice que tiene que viajar por tiempo indefinido. Los días pasan y él la extraña, hasta el momento del regreso. Ella, sin embargo no vuelve sola, regresa con un hombre. Es así como esta historia se transforma en un peligroso triángulo amoroso, donde los celos son el principal arma.

Este es un comienzo dramático, con algunos tintes románticos que pasa a transformarse en cierto momento en una película de suspenso. Una historia en la que la envidia aparece y las idas y vueltas se profundizan no puede terminar bien.

Hay varias cosas que valen la pena destacar de esta película.

Primero que nada, «Burning» es la cinta más personal de la carrera de Lee, no porque esté inspirada en algún aspecto de su vida, sino por la manera en la que presenta a los personajes, creando una maravillosa relación con su público. Una buena historia, muy bien contada y con la intención de mantener al público aferrado a su butaca.

Por otro lado, es un filme hermoso. El talento del director para mostrar las cosas comunes de la vida con belleza ya se demostró en su anterior producción, pero aquí esa sutileza se expresa al máximo. Los planos, la iluminación, la manera en la que los personajes entran y salen de cuadro, todo posee una belleza muy contradictoria con el relato, pero totalmente hipnotizante.

A su vez, las actuaciones son muy buenas. El trío protagónico hace un laburo impecable al encarnar a los tres personajes principales, especialmente Yoo Ah‑in.

Uno de los aciertos de esta propuesta es la mezcla de géneros. La cinta comienza como un drama, luego se sumerge en el romance, pasa por algunos momentos de comedia y termina siendo un espectáculo de suspenso o cine negro ejemplar. Todo esto realizado con el propio estilo narrativo del director y una sutileza narrativa absorbente.

 Además de todo esto, «Burning» posee una enorme cantidad de mensajes que intensifican el relato. Hay una lucha de clases entre los dos «novios» de la protagonista y una intromisión de ciertos valores occidentales, en forma de crítica, que están poco a poco terminando con la propia cultura de Corea del Sur.

«Burning» es una película con mucha valentía e inteligencia. Una cinta que los va a dejar pensando. Una propuesta fascinante de principio a fin (quizás como único punto negativo se puede decir que le sobran unos minutos de duración).

No se la pierdan, se van a sorprender. De lo mejor del 2018.

CALIFICACIÓN: 9/10.

«Burning» fue la película que Corea del Sur eligió como representante para competir por el Oscar a Mejor película Extranjera.

CRÍTICA DE «CAN YOU EVER FORGIVE ME?» (2018 – ¿PODRÁS PERDONARME?) DE MARIANNE HELLER.

Can you ever forgive me?  ¿Podrás perdonarme?

¿Puede una actuación salvar a una película? Por supuesto que sí. El principal atractivo de esta propuesta es sin duda alguna la actuación protagónica de Melissa McCarthy.

Todos estamos acostumbrados a ver a esta actriz en comedias disparatadas, ya sea interpretando a una dama de honor, a una cazafantasmas o a una empresaria multimillonaria, siempre el histrionismo se ha apoderado de su carrera. En esta oportunidad ella demuestra que el drama le sienta bien y nos regala una de las mejores actuaciones de su filmografía.

“Can you ever forgive me?” es la nueva producción de Marianne Heller, la directora de “El Diario de una Chica Adolescente” (2015) y está inspirada en la vida real de Lee Israel, una autora sin trabajo, con muchos problemas económicos que vive en su soledad junto a un gato. Ella, desesperada porque no consigue cómo pagar sus deudas y sus escritos parecen no interesarles a nadie, descubre una manera de hacer dinero fácil, falsificando cartas de famosos y vendiéndolas a historiadores y coleccionistas por altos precios. Todo va bien, hasta que en el asunto aparece el FBI y ella se transforma en una de las tantas delincuentes buscadas de los Estados Unidos.

La película tiene un formato y una narración típica Hollywoodense, en la que nosotros los espectadores nos enteramos de un hecho real sorprendente y entablamos conexión con su protagonista. La directora hace un muy buen trabajo al mostrarnos la vida de dicha mujer y en llegar a entender las razones de sus arriesgadas acciones.

El guión empieza con ritmo pausado para luego mostrarnos con inteligencia ese cambio de actitud por parte de la protagonista. Un cambio que transforma a este drama de adultos en un relato de suspenso con algo de humor y siempre con un sentimiento de lástima, apoyado por la gama de colores sepia que ilustran la imagen. Desde el comienzo sabemos que esas acciones no van a terminar bien y es solo cuestión de tiempo para que el esperado desenlace diga presente.

Como les he comentado antes, el principal logro de la película es el trabajo realizado por Melissa. Ella no solo le da mucho realismo a su personaje, sino que lo transforma en una mujer tan insegura de si misma que se transforma en una delincuente de la noche a la mañana.Una interpretación que también está apoyada con maestría por parte de Richard E. Grant, quien encarga a su único amigo y socio en el asunto.

“Can you ever forgive me?” es una película hecha a la medida para que su protagonista se luzca y eso no está nada mal. Un film emotivo,divertido por momentos y con una muy buena secuencia de suspenso llegando al final. Una buena película para recordarnos y valorar a aquellos actores y actrices de comedia que deciden dar un pequeño giro en sus carreras.

CALIFICACIÓN: 7/10

Estrena comercialmente en febrero de 2019 en Argentina. Se presentó en la edición número 33 del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

Crítica de: Afterimage (2016).

Siendo esta la última película de la filmografía del director polaco Andrzej Wajda (falleció el 9 de octubre del 2016), es una bella, dura y poética representación de la censura durante el socialismo en su país. Un film con todo lo que hizo grande al realizador que cambió la historia del cine de Polonia.

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Papelón brasileño en la carrera por el Oscar. La política le dio una cachetada al arte.

En el pasado Festival Internacional de Cine de Cannes hubo una película que se llevó parte de las miradas del mundo por su calidad. Se trata del filme brasileño «Aquarius«, dirigido por Kleber Mendonça Filho. La película se transformó rapidamente en la candidata segura para representar a Brasil en los premios Oscars, pero una polémica política la dejó afuera. Hoy, el país carioca eligió «Pequeno Segredo» como representante y, dejando de lado todo mérito propio del filme elegido, estamos ante un verdadero papelón en la historia cultural brasileña.

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