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Crítica de «Past Lives» (2023 – «Vidas Pasadas») Dirigida por Celine Song

Puntuación: 4.5 de 5.

El cine a veces nos toca de cierta manera que nos hace preguntas. Este hermoso arte nos invita a ser testigos de vidas por unos minutos, meternos en el universo de esos personajes para sentir como se expresan, conviven y se desarrollan. Las buenas películas hacen que nos den ganas de seguir explorando esas historias, que nos cuenten qué pasó antes o después. A veces, sentimos muy fuerte esa conexión con los protagonistas, queremos estar ahí para ver cómo continúan sus vidas. Eso es lo que pasa con «Past Lives», una cinta muy pequeña, pero poderosa en la manera en la que su directora nos hace participes de su narración.

El relato nos presenta a Nora y a Hae Sung, ambos coreanos. De chicos tuvieron una muy fuerte amistad, pero las vueltas de la vida hicieron que ella emigrara sin aviso primero a Canadá y luego a Estados Unidos. Él se quedó en Corea del Sur, apenado porque nunca se animó a decirle lo que sentía por ella. Los años pasan, la vida encuentra su camino, hasta que ella, ahora grande, lo encuentra en las redes y empiezan otra vez a hablar. Quizás sea este el resurgir de un viejo amor, o simplemente un retrasado y difícil adiós.

Ópera prima de Celine Song, quien construye aquí una historia de la que es imposible apartar la atención. Todo posee una delicadeza hermosa, desde los movimientos de cámara, los juegos de planos, la fotografía, la gama de colores y las locaciones elegidas para representar ambas vidas. Esta es una historia que habla sobre el primer amor, sobre el paso del tiempo, sobre las oportunidades perdidas y sobre el qué hubiese pasado si… La directora maneja los tiempos de manera magistral y nos regala un guión, que ella misma escribió, con el que se olvida por completo de los clichés y estereotipos de estas historias de triángulos amorosos, para colocar la palabra justa en cada diálogo y sorprender.

La película posee tres grandes momentos que son los ejemplos perfectos de la magistral clase audiovisual que aquí se da: la charla de la protagonista con su marido en la cama; el encuentro en el bar entre ellos dos y Hae Sung; y la secuencia final. Es difícil explicar con palabras la tensión que sentí en el momento en el que los personajes se quedan en silencio, mirándose a los ojos, en la conclusión. Un broche de oro para una película que emociona y que pone la piel de gallina por ser auténtica, diferente y muy bella.

«Past Lives» es sin duda alguna, una de las mejores películas del 2023. Increíbles actuaciones y diálogos que llegan al corazón. «Quizás en otra vida las cosas sean diferentes». No se la pierdan.

CRÍTICA DE «TÁR» (2022) DIRIGIDA POR TODD FIELD

Puntuación: 3.5 de 5.

Todd Field debutó en la silla de director en 2001 con la película «In the Bedroom», un drama independiente protagonizado por Sissy Spacek y Tom Wilkinson. Luego, en 2006 estrenó «Little Childen», basada en la novela de Tom Perrotta, con las actuaciones de Kate Winslet y Jennifer Connelly. Su siguiente paso fue desaparecer, los proyectos que tenía en mente nunca llegaron a realizarse y, mientras sus dos films pasados ganaban prestigio, él seguía esperando el momento en el que alguna de sus ideas se pudiera hacer realidad. Pasaron 16 años para que Field volviera a dirigir una película. «Tár» es un ejercicio biográfico muy interesante que se sostiene gracias a una impresionante Cate Blanchett en el papel protagonista.

La cinta nos presenta a Lydia Tár, una mundialmente famosa directora de orquesta que está a punto de grabar la sinfonía de su vida profesional. En esa obra su hija, Petra, una niña de 6 años brillante y encantadora, tiene un papel muy importante. Cuando todo parece complicarse es en su hija en quien va a apoyarse para juntar fuerzas y seguir adelante.

«Tár» fue creada con Cate Blanchett en mente, por lo tanto es un personaje que fue concebido a la manera de la actriz, y eso se nota desde el comienzo de la película. Es un film hecho para que la intérprete se luzca, para que brille y para todos nosotros quedemos bobos viendo una clase magistral de actuación. Y «Tár» eso lo logra. Es una película que se pone de pie gracias a su enorme trabajo, a sus expresiones, movimientos, seriedad y brusquedad. Cate está excelente interpretando a esta complicada mujer llena de matices.

El film se sotiene en la actriz y ahí es donde también está uno de sus inconvenientes. La misma se siente larga (dura 2hs 40min), sobre explorada, con diálogos que repiten situaciones y que van girando en un círculo que se repite una y otra vez sin mucho sentido. El guión se toma su tiempo para contar ciertas cosas que están de más y que poco agregan al contenido general del film. Todo es lindo de ver y nunca aburre, todo gracias a la actuación de Blanchett, pero es la excelencia de la actriz la que oculta ciertas imperfecciones notorias en el complicado guión de Field.

La parte técnica es algo que es sobresaliente en «Tár». La música, la fotografía y la dirección de arte están a la altura de la historia. La manera en la que lo estético ayuda a crear esa imagen tan rebuscada y llena de texturas de Tár, hace que siempre haya algo interesante de ver en pantalla. Es una propuesta que visual y sonoramente juega con sus recursos y nos regala muy lindos planos, encuadres y mezclas sonoras que sorprenden y conjugan una muy interesante y cinematográfica experiencia.

«Tár» es Cate Blanchett en su máxima expresión. Una película que tiene un tono desafiante con el público, principalmente por las decisiones arriesgadas de su guión. Un film para conocer la historia de esta mujer y además para seguir admirando a su protagonista.

CRÍTICA DE «TOP GUN: MAVERICK» (2022) DIRIGIDA POR JOSEPH KOSINSKI

Puntuación: 3.5 de 5.

En 1986 estrenó en cines «Top Gun», una película que enamoró a una enorme cantidad de personas en el mundo por su historia romántica y su muy efectivo elenco. Luego de sucesivos retrasos producto de la pandemia de Covid-19, 36 años después del lanzamiento de dicho clásico apareció su secuela y el desafío era muy grande. ¿Cómo igualar lo realizado en el pasado? ¿El público aceptará la secuela después de tanto tiempo? Las dudas aparecieron, pero pronto fueron despejadas porque «Top Gun: Maverick» cumplió muy bien con las expectativas.

Pete Mitchel, después de muchos años al servicio de la Armada de los Estados Unidos, encontró su lugar: es uno de los pilotos más valientes que realiza pruebas imposibles con mucho éxito. A él lo llevan a la academia Top Gun, con el fin de entrenar a otros pilotos de élite para cumplir con una muy peligrosa misión en territorio enemigo. Es en este lugar donde Pete se va a reencontrar con parte de su pasado.

Si han visto la primera película aquí el desarrollo narrativo sigue la misma estructura general. Estamos ante una película que idolatra a la Armada estadounidense y que tiene todo ese mismo tinte de propaganda como en el film del 86. Si hay algo que está dudoso en esta secuela es el guión hablado, los diálogos son bastante trillados y la historia en general es una repetición de la anterior. Cosa distinta es el guión técnico que desarrolla el film y es allí donde me parece que «Top Gun: Maverick» hace la diferencia.

Esta es una experiencia que está dirigida al público que amó la cinta original y también a un nuevo espectador que quizás se siente interesado por este tipo de films y no encuentra representación en la actualidad. Es una cinta para disfrutar en ese sentido, una experiencia que tiene el objetivo de hacerle pasar un muy gratificante momento al público sin el uso excesivo de efectos visuales.

Técnicamente «Top Gun: Maverick» es un film irreprochable. La cámara se posiciona en lugares impensados en las tomas aéreas, creado vértigo, sorpresa y un entretenimiento mayúsculo cuando se ve en pantalla grande. Que la película haya optado por ser filmada en locaciones reales, con aviones reales, con piruetas reales y no todo recreado de manera digital hace que el film se vuelva aún más valioso y espectacular. Es en esta idea más artesanal que la película logra brillar. Es una propuesta con mucha calidad desde lo audiovisual.

Sabemos que Tom Cruise está medio loco en la decisión de hacer todas las tomas de alto riesgo él mismo y sin demasiada seguridad. Lo ha hecho en gran parte de su filmografía y aquí, piloteando, saltando al vacío y casi rompiéndose la cabeza, lo hace devuelta. Todo por el bien de su película. Una buena actuación también en el costado dramático del personaje. La química que se ve en pantalla entre él y Jennifer Connelly es muy buena, y hay algunos momentos muy graciosos.

«Top Gun: Maverick» acierta en su tono crepuscular y en ofrecer un entretenimiento a la vieja usanza, sin demasiados efectos especiales y con fotografía real. Será un deleite para los fans de la peli original y también para aquellos espectadores que disfruten el cine de acción de los 80 y 90s. Además, es una propuesta de la que creo que Tony Scott, el director de la original, estaría muy orgulloso. Aquí hay cine y un respeto por las mecánicas clásicas de este hermoso arte. En un mundo dominado por el CGI eso se valora mucho.

CRÍTICA DE «BLONDE» (2022) DIRIGIDA POR ANDREW DOMINIK

Puntuación: 2 de 5.

En la historia del cine es imposible identificar películas biográficas que no hayan agregado datos de ficción a la vida de personas retratadas en pantalla. «Blonde» es una más de esta enorme lista de films que agarraron a una figura internacionalmente famosa y la dieron vuelta para crear un relato visualmente genial, pero demasiado provocador en sus mentiras.

La película recorre parte de la vida de Marilyn Monroe, desde su traumática infancia hasta sus días finales. La misma pone el foco en su personalidad y en cómo Hollywood la transformó en una marioneta para usar y desechar.

Lo primero que vale la pena resaltar es que poco de lo que aquí se cuenta sucedió en la realidad y eso puede crear confusión en el espectador, principalmente por el tono serio con el que se retrata la supuesta vida de Marilyn. Ella no fue abusada en esa entrevista de trabajo, tampoco era la bomba sexual liberal que estaba en múltiples relaciones a la vez, ni hablaba con su hijo muerto en un aborto (que tampoco pasó como aquí se cuenta). La cinta agarra cosas de su vida y las lleva al extremo para subrayar un mensaje súper trillado en contra de la industria y, en definitiva, en contra de la Marilyn. Este retrato no es suyo, es de otra persona.

Visualmente hay una dualidad muy extraña en «Blonde». Esto se debe a que hay escenas y secuencias enteras que son hermosas de ver, filmadas en blanco y negro, con excelente iluminación y originales juegos de cámara. Una fotografía muy bella. Pero, también hay transiciones que dan un poco de vergüenza ajena y momentos surrealistas, como el del feto que habla, que cortan con toda esa maravilla técnica audiovisual.

Lo que es innegable en «Blonde» es la actuación de Ana de Armas. Ella se mete en la piel de esta Marilyn y la lleva a pantalla de manera soberbia. Es no solo muy parecida físicamente, sino en las expresiones, pese a que el guión se dedica a mostrarla como una mujer sumisa en gran parte de la película, otra enorme diferencia con la realidad. Hay momentos que están calcados de las películas reales y están geniales.

«Blonde» provoca, provoca y sigue provocando. Basada en la novela homónima de Joyce Carol Oates, es una película por momentos genial, pero por otros insoportable. Bien actuada e innecesariamente perversa con la figura protagonista. Dominik, el director, hace aquí un perfil monocromático de Marilyn, uno que no evoluciona sino que se queda con los mismos colores al comienzo y al final. Si quieren un biopic sobre Monroe vayan por otro lado, porque aquí hay poca fidelidad y respeto para con su vida.

Está en Netflix.

CRÍTICA DE «CORSAGE» (2022) DIRIGIDA POR MARIE KREUTZER

Puntuación: 3.5 de 5.

Marie Kreutzer debutó en los largometrajes con «Corsage», este perfil melancólico sobre la Emperatriz Isabel de Austria. Teniendo como base su vida, pero acomodándola para expresar como la rebeldía y el no encajar en su lugar han dominado su paso por el mundo, la directora crea una ficción muy delicada y reflexiva sobre la monarquía.

Vale la pena destacar que pese a que la película está basada en la vida de la Emperatriz, gran parte de lo que se cuenta aquí es ficción. Algo como lo sucedido con «La Favorita» o «Blonde», pero con más calidad y decisión que esta última. Aquí vamos a conocer la vida de Isabel en un año, específicamente 1878. Ella está pasado un momento de mucha duda personal, su marido está conflictivo, tiene un amorío confuso con su instructor, su hijo no la comprende y todo el mundo empieza a mirarla con ojos raros por las actitudes que va teniendo. Ella está decidida a cambiar su presente.

Si hablamos de la Emperatriz de Austria seguramente lo que más conocemos sobre ella es la problemática relación con su suegra, la muerte de su hijo, o su asesinato. Aquí la directora decidió dejar de lado todo eso para centrarnos en un costado más íntimo, más personal, en sus dudas, cuestionamientos y ganas de explotar. La película agarra la metáfora del corset para expresar como esta mujer se siente apretada en sus propias reglas, en su título, en sus obligaciones. Es cierto que muchas de las cosas que se plantean narrativamente aquí nunca sucedieron en la vida real, pero todo tiene la suficiente delicadeza como para expresar con éxito su mensaje.

Este es un film estético. Es una película de época, por lo tanto el trabajo de vestuario, escenografía y maquillaje está a la altura del desafío. La directora narra con imagenes esa melancolía que la protagonista siente, con movimientos lentos de cámara, con muchos primeros planos al rostro de la protagonista para que sintamos sus dudas y su asfixia. Además, la música acompaña muy bien el desarrollo del film. Es técnicamente una gran película.

«Corsage» tiene una actuación magistral de Vicky Kieps como la Emperatriz y un final que, pese a ser diferente a lo sucedido en la realidad, plantea una gran pregunta. Un valiente debut cinematográfico, remarcando las luchas internas de una persona que pelea entre la libertad y las obligaciones; la madre y la niña; la esposa y la mujer con deseos.

Es la cinta que Austria eligió para competir por el Oscar a Mejor Película Internacional.

CRÍTICA DE «EL SUPLENTE» (2022), DIRIGIDA POR DIEGO LERMAN

Puntuación: 3 de 5.

El cine de Diego Lerman suele explorar cuestionamientos de la clase media y de personajes que son puestos en situaciones que lo obligan a revisar su pasado. En esta oportunidad, el director vuelve a dejar su marca en una cinta que tiene los condimentos de un drama social clásico, mezclado con mafia y educación.

La película nos presenta a Lucio, un profesor de literatura que regresa a su barrio en las afueras de Buenos Aires para tomar el lugar de suplente en un colegio. Al principio el choque es fuerte, no solo en cómo los alumnos lo tratan o se sienten desinteresados por la materia, sino porque empieza a revivir algunas cosas de su vida que parecía haber dejado atrás. Con rapidez, ese golpe inicial va a ir ablandando al hombre y se va a ir comprometiendo con la causa, especialmente con la vida de uno de los alumnos, quien se encuentra en medio de una disputa con la mafia local.

La película tiene un desarrollo pausado y se centra, principalmente, en el personaje que interpreta Juan Minujín. Lucio está casi toda la película en pantalla y el actor logra entenderlo y hacer ese cambio personal creíble y entendible. Él es un hombre que decidió dejar atrás su pasado para irse del barrio y triunfar con otro estatus social, pero la vida lo devuelve a su lugar de origen. Esta dualidad, esta pelea interna de Lucio, está muy bien encarada por Minujín.

El film tiene un guión que puede relacionarse con muchas películas similares en la que la educación es el motor para demostrar cómo cierta parte de la sociedad está viviendo en la actualidad. Si han visto «Entre los muros», la cinta sobre una escuela en los suburbios de París, van a sentir que lo que aquí se presenta tiene un aire muy similar, con otra impronta, pero la base es la misma: mostrar lo difícil que se puede tornar el aula de una escuela. El libreto entra en ciertas cuestiones trilladas y sobreimpuestas que hacen bastante previsible su desarrollo, pero en general, en los momentos en los que el film logra apartarse de algunos diálogos impuestos, triunfa.

Cuando la película profundiza las actitudes del profesor protagonista, su duelo interno y su cambio, el director le saca jugo a su premisa. Cuando entra en estereotipos sobre la mafia, la droga y sobre el hombre que es el gran salvador de todo, la propuesta se vuelve una más del montón. Así como el propio protagonista tiene esta lucha interna con su pasado, la película sufre de esta pelea entre lo auténtico y lo impuesto, lo que se siente real, emotivo y chocante, con lo que está de relleno y es de manual.

«El Suplente» es, pese a este problema, un buen ejercicio social. Abre muchas puertas y funciona como una radiografía enorme sobre parte de la sociedad argentina. Bien actuada y con un tema musical final de Shitsem que la rompe toda.

Está en Netflix.

CRITICA DE «DECISION TO LEAVE» (2022) DIRIGIDA POR PARK CHAN-WOOK

Puntuación: 4 de 5.

Park Chan-wook es uno de los grandes autores de la historia del cine asiático. Su filmografía está plagada de buenas películas: «The Handmaiden», «Thrist», «Stoker» y principalmente «Oldboy», algunas de las producciones que lo han posicionado en el olimpo del cine de Corea del Sur. En esta oportunidad, desarrolla un intrincado thriller que necesita de un espectador atento a sus muchos detalles para poder darle sentido al rompecabezas.

La historia nos presenta a un detective que está investigando la muerte de un hombre que cayó al vacío mientras escalaba una montaña. En esa búsqueda se encuentra con la esposa, quien automáticamente se transforma en sospechosa por sus dudosas declaraciones. Él comienza de esta manera a seguirla, a intentar descifrar si de verdad ha tenido algún tipo de responsabilidad en el final de su marido. En ese camino, se va a sentir atraído por ella y lo que empieza como una investigación policial se transforma rápidamente en una oculta historia de amor.

Park es un gran creador de historias y aquí nos regala un muy rebuscado rompecabezas en el que la sutileza es el gran predominante. Los personajes empiezan un romance, uno que difiere de la gran mayoría de los presentados en este tipo de películas. Aquí nunca se dicen «te amo», es más hay un solo beso entre ellos, pero en todo momento sabemos de la conexión que hay, y de la tensión sexual que aparece desde la primera mirada que cruzan. El realizador se encarga de que este romance sea lo más delicado e imprevisible posible.

La cinta viaja por varios géneros. Es un drama policial, es un romance y es un thriller. Toda la cuestión policial y cómo esta mujer aparece en la vida del investigador y lo ayuda a resolver algunos casos inconclusos del pasado, están muy bien planteados y conserva ese misterio propio del género. Pero, la película va más allá, porque la parte romántica es el gran motor del filme.

La película empieza como un policial de manual, continua como un drama romántico de enemigos a amantes y posee un tercer acto que se sumerge sin miedo en el caos. El último tramo de la película es intrincado, invita a ser visto más de una vez y cierra de manera impecable la trama de la película. Estoy seguro que la decisión final de la protagonista (haciendo referencia al título del film) va a generar dudas y un intenso debate en el espectador.

Park es un maestro en la manera en la que presenta los hechos de la historia. Hay un juego precioso de dualidad visual y narrativa entre el mar y el océano, algo que está presente no solo desde lo estético, sino también desde lo metafórico. Además, hay un ir y venir entre flashbacks, superposiciones de imágenes y transiciones alocadas, pero muy sutiles, que elevan la calidad visual de la película. Hay creatividad y una fotografía que siempre juega con la manera en la que se nos presentan los hechos.

«Decision to Leave» es una película muy distinta a las anteriores del director. Habla del amor prohibido, de la verdad y de los secretos. Es complicada en la enorme cantidad de detalles que no se dicen con palabras que hay que captar para resolver el rompecabezas. Hermosa técnicamente y con un final que invita al debate. Para ver más de una vez.

CRÍTICA DE «EL PRODIGIO» (2022 – «THE WONDER») DIRIGIDA POR SEBASTIÁN LELIO

Puntuación: 3 de 5.

Basada en la novela escrita por Emma Donoghu, Sebastián Lelio, director de la ganadora del Oscar «Una Mujer Fantástica,» nos sumerge aquí en un relato pausado sobre la eterna lucha entre el fanatismo religioso y la observación científica, con grandes actuaciones y con algunos puntos que invitan a la discusión.

Nos trasladamos al siglo XIX en un pequeño pueblo católico de Irlanda. Una enfermera es llamada desde Londres para que pueda ayudar a darle una explicación a un hecho que está conmoviendo a toda la comunidad local: una niña hace 4 meses que no come y está saludable. Todos creen que es un hecho divino, pero esta mujer tiene sus dudas.

Estamos aquí ante una película de autor. Como gran parte de la obra de Lelio, lo que aquí nos cuenta es una historia que invita a la reflexión, a ponernos en el lugar de testigos para juzgar o para posicionarnos ética e ideológicamente de un lado o del otro de la cuestión. Ese sello de autor se puede ver además en la fotografía, en el uso de las sombras que tapan gran parte de los rostros de los personajes, y de su lento pulso, algo que por momentos hace que el film tarde demasiado en avanzar.

Lelio se preocupa por subrayar algunas cosas que se sobreentienden. El inicio y el final de la película son los 2 puntos que posiblemente funcionarán como claves de debate en el espectador. La película empieza y termina con dos escenas que están ubicadas en el set de filmación real del film, como si se tratase de un detrás de escena. El sentido se entiende, el director quiere remarcar y hacernos entender que lo que estamos a punto de ver es una ficción y que estas historias se concluyen de dicha manera solo en películas. Es un subrayado un poco obvio e innecesario.

Florence Pugh se lleva al hombro la película. Ella interpreta a la enfermera que se transforma, seguramente, en los ojos del espectador. Ella no cree en lo que el pueblo le está diciendo que sucede con la niña y va a hacer lo imposible para entender de manera racional la situación. Una actuación muy buena.

¿La niña está diciendo la verdad? ¿Está alimentándose a escondidas? Si es así ¿Por qué lo hace? Todas estas preguntas tienen su respuesta y se plantean de manera coherente en el relato. Por el lado narrativo es una cinta muy satisfactoria, porque juega con el suspenso y con ese misterio.

«The Wonder» tiene un trabajo de ambientación sobresaliente. Un poco larga y lenta, pero con buenas actuaciones y con un relato que invita al debate. Finaliza con una simple idea muy bien planteada: ¿Son los personajes libres o siguen enjaulados a sus mentiras?

Está en Netflix.

CRITICA DE «ALMAS EN PENA DE INISHERIN» (2022 – «THE BANSHEES OF INISHERIN») DIRIGIDA POR MARTIN MCDONAGH.

Puntuación: 4 de 5.

¿Cómo definir esta tan particular película dirigida por Martin McDonagh? Si conocen al realizador quizás sea un poco más simple responder esta pregunta. Martin fue quien hizo «En Brujas» y «Tres Anuncios por un Crimen», dos cintas que poseen un tono similar a «The Banshees of Inisherin». En el fondo estamos viendo un drama, pero en el frente nos encontramos con una bizarra, triste y a veces incómoda comedia. El director sigue sorprendiendo con su capacidad de llevar a la pantalla historias que pueden gustar más o menos, pero que indiferentes a nadie dejan.

Aquí nos trasladamos a una remota isla frente a Irlanda para meternos en los zapatos de Pádraic, un hombre que no entiende cómo su mejor amigo de un día para el otro dejó de hablarle. Él intenta acercarse, pero lo único que recibe es rechazo. ¿Qué hizo mal? ¿Cómo puede ser que la persona que más aprecia haya dejado de quererlo sin razón? Junto a su hermana va a intentar, de todas las maneras posibles, hacerlo entrar en razón y recuperar esa relación.

Desde el inicio el director nos pone frente a esta incógnita, una que se responde bastante rápido, pero que el protagonista no logra entender. Y con esa pregunta también se nos presenta una enorme cantidad de cosas que valen la pena destacar.

Primero que nada, esta es una película redonda desde lo visual. La ambientación es fantástica. No hay un solo segundo en el que no sintamos la tristeza de la isla. La manera en la que el realizador muestra cada uno de los momentos en la vida del protagonista, la música elegida, los paisajes y esos tiros que a veces se escuchan de fondo, producto de una Guerra Civil que sucede en la gran ciudad, todo ayuda a que el tono del film sea melancólico, apagado y silencioso. La muerte está cerca, de alguna manera u otra, y eso se siente.

Para que eso funcione además están los actores y actrices, quienes aportaron fantásticas interpretaciones. Colin Farrell es Pádric, este hombre aburrido, insistente y perdido. Su mirada y sus movimientos, desde el primer segundo entendemos su manera de ser y eso es gracias al trabajo del actor, quien le encontró el alma al personaje. Todo lo que hace se siente real. Brendan Gleeson también brilla, interpretando a ese determinante amigo. Decidido, un poco cansado y rendido. Gran actuación. También, en un papel chico pero muy bien logrado está Barry Keoghan. Se mete en la piel de un joven con problemas y de destaca mucho. Kerry Condon, interpretando a la hermana del protagonista, está muy bien.

Por otro lado, el guión. La historia ya de base es interesante, pero el director se las arregla para darle unos pequeños giros que la hacen aún más atrapante (todo lo de los dedos por ejemplo, o la incorporación del personaje que predice el futuro). El film tiene una base dramática muy fuerte, y se las ingenia para presentar unos destellos de humor que enaltecen toda la historia. Los diálogos, incómodos en algunos momentos, muy graciosos en otros, hacen de esta propuesta una muy extraña y fascinante experiencia cinematográfica.

«The Banshees of Inisherin» es un film con mucho estilo. Con actuaciones brillantes, con un muy buen guión y con un final que cierra perfectamente esta trágica historia de amistad. Dura parábola sobre cómo la crueldad de la Guerra transforma a las personas.

CRÍTICA DE «THE FABELMANS» (2022) DIRIGIDA POR STEVEN SPIELBERG

Puntuación: 4.5 de 5.

En el inicio de esta película vemos a una madre y a un padre llevar a su hijo al cine por primera vez. «Las películas son sueños que nunca olvidarás», le dice ella muy entusiasmada ante la desconfianza del menor. Así como te lo da a entender desde el comienzo, esta es una propuesta que rinde tributo al arte cinematográfico, a la vida de un hombre que desde el momento en el que vio esa primera película nunca pudo observar la vida de otra manera que no fuera mediante el lente de una cámara.

«Los Fabelman» es un drama que agarra momentos biográficos de la vida de Steven Spielberg. No es un biopic, pero sí un film en el que el realizador de «La Lista de Schindler» toma cosas de su pasado para contarle al mundo cómo fueron sus inicios. De esa manera, nos presenta a esta particular familia compuesta por un padre que trabaja en la creación de equipos electrónicos, una madre pianista, dos hijas chicas y el protagonista, Sammy, un joven que quiere de cualquier manera filmar todo lo que sucede a su alrededor.

La película narra los acontecimientos de Sam desde su infancia hasta el momento en el que tiene la primera entrevista laboral en Hollywood, una situación crucial en la carrera del futuro director. Si eres conocedor de la vida de Steve Spielberg vas a encontrar un montón de cosas que él ha dicho en entrevistas representadas maravillosamente en la película, y si no lo eres vas a disfrutar de un coming of age muy entretenido, sobre este jovencito, sus problemas amorosos y familiares, y sus ganas de hacer películas.

Al ser una película de Spielberg nos encontramos aquí con un increíble manejo de los recursos audiovisuales, desde elaborados planos secuencia, a movimientos y encuadres llenos de imaginación, a una iluminación que juega siempre con las sombras y con los reflejos. Es una cinta que dura dos horas y media, pero nunca se siente larga, posee una intensidad en lo narrativo que nunca frena. El tono general es de comedia dramática, contándonos las desventuras de Sam. El guión es muy creativo en los momentos dramáticos y muy divertido cuando tiene que serlo. Además, la idea del cine adentro del cine, de los cambios estéticos y del amor que hay en cada plano por este arte, todo es hermoso.

Actoralmente es un filme a la altura de las circunstancias. Paul Dano interpreta al padre, un hombre que no soporta cómo su hijo no está siguiendo una carrera profesional y elige hacer películas. Una muy buena actuación. Michelle Williams se pone en la piel de la madre, un personaje complicado, lleno de personalidad y de capas. Ella lo interpreta con mucha solvencia. Gabriel LaBelle es Sammy, el protagonista. El actor se lleva al hombro los momentos dramáticos y aquellos en los que el humor están de su lado. Vale la pena destacar una pequeña participación de David Lynch cerca del final.

«Los Fabelman» habla sobre discriminación religiosa y sobre arte. Es cine sobre cine, contado con maestría por parte de un creador que ama lo que hace y que juega con su propia vida para reafirmar que es uno de los más grandes directores de la historia. El plano final es un reflejo de esto, para crecer hay que mirar para atrás y subrayar lo que se ha aprendido. Un PELICULÓN, así con mayúsculas.