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CRÍTICA DE «GATO CON BOTAS: EL ÚLTIMO DESEO» (2022 – «PUSS IN BOOTS: THE LAST WISH») DIRIGIDA POR JOEL CRAWFORD

Puntuación: 4 de 5.

En el año 2004 se estrenó una de las mejores secuelas de una película animada, «Shrek 2», dónde nos introdujeron a un cazarrecompensas conocido como el Gato con Botas, quien se une a las aventuras de Shrek y Burro. Siete años después, el felino tuvo su propia película donde unió fuerzas con Humpty Dumpty y Kitty Patitas Suaves para realizar un robo. Luego de más de diez años de su primera aparición, el Gato con Botas volvió para otra aventura.

Durante una fiesta en la casa del gobernador del pueblo de Del Mar, nuestro protagonista se ve envuelto en una pelea contra un gigante que amenaza a la ciudad. Lamentablemente, el Gato con Botas muere por octava vez y descubre que está viviendo la última de sus vidas. Luego de un terrible encuentro con un cazarrecompensas, decide abandonar la vida de héroe y se retira a un hogar para gatos, ahí es donde conoce a perrito y a Ricitos de Oro y los tres osos. Ellos quieren contratarlo para robar un el mapa que lleva a la estrella de los deseos. Sin embargo, el gato decide conseguir el mapa por su cuenta con el objetivo de recuperar sus nueve vidas.

La historia es sencilla: los personajes, la mayoría ya conocidos, se adentran en una aventura para encontrar la estrella de los deseos. Ahí se arma una carrera de a ver quién llega primero mientras son guiados por un mapa. Si bien la trama no va mucho más allá, el trasfondo y el mensaje sobre la vida y la muerte que deja es muy lindo, pero incluso en algunas partes la historia se torna un poco oscura sin dejar de ser una película familiar.

El tono está equilibrado entre lo adulto y lo infantil. Esto último está más orientado al humor, si bien tiene algunas malas palabras (censuradas), comparada con la primera entrega del Gato con Botas, esta no tiene tantos chistes adultos. Tiene algunos detalles sobre su temática principal que son muy interesantes y seguro que un público más adulto puede llegar a notar.

Los personajes nuevos están muy bien, llegas a empatizar con ellos y con su historia. Hay dos personajes que representan los dos lados de la temática principal de la película. Uno de ellos es Perrito, que es super adorable y casi que se roba toda la película, que dicho sea de paso es un poco irónico. No voy a adelantar mucho sobre el antagonista de la historia pero sí quiero destacar que el diseño del personaje es excelente, lo más probable es que llegue a causar escalofríos. Luego tenemos el villano, que solo está para cumplir ese papel.

Sin dudas lo más destacable es el gran cambio en la animación, ya en abril del año pasado DreamWorks nos había mostrado un cambio en su estilo con el estreno de «The Bad Guys», donde se alejan de su característica animación 3D para mezclarla con animación 2D. En el caso del «Gato con Botas», optan por lo mismo pero con un estilo más similar a «Spiderman Into The Spiderverse». A nivel visual la película es increíble, el estilo de animación va cambiando todo el tiempo y es super colorida.

Por último, el elenco de voces está compuesto por: obviamente Antonio Banderas vuelve a darle voz al gato con botas, lo mismo Salma Hayek como Kitty Patitas Suaves, quien le dio voz al personaje en la primera película. A ellos se le suman Harvey Guillén como Perrito, Florence Pugh como Ricitos de Oro, Olivia Colman, Ray Winstone y Samson Kayo como los tres osos, Warner Moura como el lobo y John Mulaney como Jack Horner.

En definitiva, El Gato con Botas: El Último Deseo es una película entretenida para toda la familia, con mucho color y excelentes escenas de acción. Mantiene la esencia de las primeras películas de Shrek y está llena de referencias a los clásicos cuentos de hadas y al western. Sin dudas, supera a la primera parte de la historia del Gato con Botas.

CRÍTICA DE «UN MUNDO EXTRAÑO» (2022 – «STRANGE WORLD») DIRIGIDA POR DON HALL

Puntuación: 3 de 5.

Una famosa familia de exploradores compuesta por Jaeger Clade y su hijo Searcher, viajan juntos recorriendo el mundo en busca de peligrosas aventuras. Un día, en una de sus expediciones padre e hijo discuten y eso lleva a que tomen caminos separados. 25 años después, nos quedamos siguiendo a Searcher, quien vive en una granja con su esposa Meridian y su hijo adolescente Ethan. Debido a una extraña plaga que ataca los cultivos de Pando, una plata que el joven descubrió en aquella expedición donde vió por última vez a su padre y provee a toda la ciudad de energía, Searcher y su familia deben iniciar un viaje para descubrir qué es lo que está pasando y ponerle fin a esta plaga.

Dirigida por Don Hall y escrita por Qui Nguyen, Strange World es una nueva aventura de Disney. Cuenta con las voces de Jake Gyllenhaal (Searcher Clade), Dennis Quaid (Jaeger Clade), Jaboukie Young-White (Ethan Clade), Gabrielle Union (Meridian Clade), Lucy Liu (Callisto Mal) y Alan Tudyk como narrador, entre otros.

Strange World toma inspiración en “Viaje al Centro de la Tierra” de Julio Verne y busca homenajear a las revistas pulp que fueron muy populares hasta la década del 50. También se nota la inspiración tomada de las películas de Indiana Jones en el diseño del título de la película.

La animación es el punto más destacable, como toda película animada de Disney, no decepciona. El diseño del mundo que visitan nuestros protagonistas es hermoso y tiene un simbolismo bastante interesante relacionado al medioambiente.

La historia y los diálogos son muy trillados, es la típica historia familiar sobre el legado y como formar tu propio camino. Está bien, pero termina siendo muy predecible. Acá se animan un poco al agregar un personaje protagónico abiertamente gay, pero no esperen nada más allá de un abrazo. Es una película que se deja disfrutar, es sencilla, tiene un lindo mensaje y es para dejarse llevar por lo hermosa que es visualmente. En cuanto a la historia, como ya mencioné, no es nada del otro mundo.

Dura 1h 42m y la ven por Disney Plus.

CRÍTICA DE «WENDELL Y WILD» (2022), DIRIGIDA POR HENRY SELICK

Puntuación: 3 de 5.

Fiel a su estilo tétrico y colorido, Henry Selick, el director de «El Extraño Mundo de Jack» y de «Coraline», regresó a la animación stop motion para presentarnos este diabólico viaje lleno de humor y buenos personajes.

Wendell y Wild son dos demonios que están intentando hacer realidad su sueño: escapar de las garras de su padre y viajar al mundo de los vivos para construir el mejor parque de diversiones del mundo. Para ello van a necesitar a alguien que los invoque. Es así como conocen a una adolescente que está siendo trasladada a una escuela especial para niñas rebeldes que parecen haber perdido el rumbo. Ella va a aprovechar la oportunidad y va a intentar, con la ayuda de estos dos demonios, revivir a sus fallecidos padres.

Con Jordan Peele como coguionista, Henry Selick hace destreza aquí de sus mejores facultades: contar una tétrica historia donde la vida y la muerte se cruzan, con muchos colores, luces de neón y humor. La animación es fiel a su estilo, con personajes deformes y con una mezcla entre animación realizada por computadora y stop motion que se destaca en todo momento. Que los personajes tengan algunos de los rasgos de los actores y actrices que le dieron voz no es un detalle menor, ya que podemos verlos a ellos reflejados en los muñecos. Jordan no solo escribió la historia, sino que también le da vida a Wild, mientras que Keegan-Michael Key hace lo suyo con Wendell y Lyric Ross con la rebelde protagonista. Muy bien elegidos todos y muy buena la construcción de sus personajes.

El guión habla de la aceptación a la muerte y de la tragedia. El final se ve venir desde casi el comienzo, pero pese a que la previsibilidad aparece rápidamente, el relato se disfruta mucho, en especial por todos los aspectos técnicos. La iluminación es clave para su disfrute y por momentos todo su conjunto tiene algunas cosas de «Corpse Bride», la película de Tim Burton, en especial en el uso de la luz verde y en todo lo que sucede cuando se empiezan a revivir a los muertos.

«Wendell y Wild» no es la mejor película de Henry Selick, está por detrás de Jack y de «Coraline», pero es un muy vistoso y divertido viaje por el infierno, con dos demonios divertidos y muy expresivos. Creatividad y disfrute, siempre presentes en el cine de Selick. La trama se vuelve demasiado previsible y el momento emotivo carece de suficiente fuerza, pero de todas maneras vale la pena verla.

Ojo porque tal vez pueda asustar a los más pequeños.

Está en Netflix.

CRÍTICA DE «ZEN» (2022), DIRIGIDO POR KATSUYA KONDO

Puntuación: 3 de 5.

Con motivo de celebrar los tres años del estreno de la primera temporada de «The Mandalorian», el servicio de streaming Disney+ y la productora de animación japonesa Studio Ghibli estrenaron un muy tierno cortometraje que une a Grogu con las bolitas de hollín de «Mi Vecino Totoro».

La meditación es algo muy importante para Grogu. Nada ni nade puede sacarlo de su estado zen cuando está practicando, pero aparecen las bolitas de hollín para interrumpirlo y hacer su tarea un poco más complicada.

El hecho de que Ghibli se haya metido en el universo Star Wars es muy curioso, principalmente porque en el pasado hemos visto algunas referencias en películas de Disney a personajes de los clasicos animados japoneses. El amor mutuo entre productoras confluyen en la produción de esta pequeña pieza artística.

El director detrás de este corto es Ktsuya Kondo, quien nos regala aquí una muy tierna y simple historia de amistad entre estos personajes. La animación fue realizada completamente a mano, con un fondo texturado que no se mueve en ningun momento. Muy hermoso.

«Zen» es una muy linda representación por parte de Ghibli de este adorable personaje de Disney. Son 3 minutos de sencillez y belleza que te dejan con muchas ganas de más.

Está disponible en Disney+.

CRÍTICA DE «PINOCHO» (2022 – «PINOCCHIO»), DIRIGIDA POR GUILLERMO DEL TORO

Puntuación: 4.5 de 5.

Olvídense de todo lo que saben sobre Pinocho, sobre sus muchas adaptaciones a cine y televisión, y déjense llevar por esta maravillosa película que representa no solo una enorme propuesta en stop-motion, sino una de las mejores cintas de Guillermo del Toro.

Aquí nos ubicamos en la Italia de Mussolini, con el fascismo incrementando minuto a minuto, con la guerra ocupando toda la atención de los ciudadanos y con una depresión colectiva que se esconde en voluminosos espectáculos callejeros. En este entorno vemos a Gepetto, un carpintero que perdió a su hijo y que entró en un oscuro poso del alcohol. Una noche, enojado con su realidad, fabrica un muñeco de madera, canalizando su bronca y su desprecio por lo sucedido. Minutos más tarde aparece un espíritu del bosque, que le va a regalar el don de la vida a esa extraña creación. Así nace Pinocho, un títere con mucha alegría y energía, algo que parece estar acabándose en el pueblo italiano.

El mensaje es claro, todos los personajes humanos y animales son marionetas de un gobierno que los oprime, mientras que Pinocho es el único que vive en libertad. Este contexto y mensaje político se apodera de gran parte esta preciosa película de animación, y crea un sentido mucho más profundo que la clásica adaptación que Disney realizo del cuento de Carlo Collodi.

Pese a que este sentido está presente en gran parte de su metraje, esta es una película fue concebida como un musical, con canciones interpretadas por diferentes personajes. No esperen un musical 100% cantado, pero si hay algunos momentos en los que la música acompaña muy bien el divertimento y la emoción expuesta en escena.

Hay humor, hay música, hay política, hay lágrimas, y también hay un trabajo de estética, de producción y de animación que es realmente soberbio. El stopmotion es hermoso, los movimientos de los personajes, los cambios de ritmo y los desafíos gravitacionales de las marionetas hacen que la película sea una propuesta muy redonda, perfecta para los que amamos este cine artesanal y el estilo clásico de Del Toro.

«Pinocho» es la representación definitiva del cuento de Collodi. Cine maduro, intenso y muy hermoso. Van a reír y se van a emocionar, pero principalmente van a ser testigos de un PELICULÓN, así con mayúsculas. Por más cine de animación cuadro a cuadro.

Vista en el 37 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

CRÍTICA DE «(DES)ENCANTO» (2018 – «DISENCHANTMENT»), DE MATT GROENING.

«Desencanto», primera temporada, creada por Matt Groening.

El 17 de diciembre de 1989 debutó en televisión el primer capítulo de «Los Simpsons». La serie se transformó en un hito de la animación, posee hasta el día de hoy 30 temporadas y un total de 639 capítulos, además de una película y una enorme cantidad de videojuegos, cómics y otros derivados audiovisuales.

«Los Simpsons» ha ganado en toda su historia 31 premios Emmy, 30 premios Annie y es la serie de televisión más longeva de la historia de los Estados Unidos.

En 1999 Matt Groening lanzó otra serie de televisión animada llamada «Futurama», la cual duró solamente 4 temporadas y que en el 2008 fue revivida por Comedy Central por 3 temporadas más. «Futurama» finalizó en el 2013 con un total de 140 capítulos y 4 películas. Pese a que esta segunda serie no tuvo el éxito de su predecesora, Matt Groening elevó la calidad humorística de la serie y le brindó a los fanáticos un tono de comedia distinto al de «Los Simpsons».

En el 2017 este creador anunció que estaba trabajando en una tercera serie original, luego de muchos años de inactividad en el género. La serie se titula «(Des)encanto», está ambientada en el pasado, manteniendo esa linea argumental ficticia de «Los Simpsons» (presente) y «Futurama» (futuro).

Ante dicho anuncio las expectativas empezaron a volar y la fecha de estreno llegó mediante el servicio de streaming Netflix. Cuando se pone el listón muy alto ante una producción las expectativas pueden jugar en contra y creo que esta serie puede producir, permítanme el atrevimiento, un poco de desencanto en el espectador.

Aquí Groening presenta un mundo medieval donde la magia es moneda corriente. La protagonista es una princesa que no quiere seguir con la tradición familiar y se niega a contraer matrimonio arreglado con un hombre solo por su fortuna. Ella está acompañada por Elfo, un duende que se aburre de ser feliz y quiere irse a vivir al mundo real donde cualquier cosa le puede suceder, y por un demonio que no tiene ideas muy decentes.

Esta primera temporada de «(Des)encanto» posee 10 capítulos de aproximadamente 25 a 35 minutos cada uno. Una serie bastante corta.

Para poder disfrutar de esta nueva idea de Groening no hay que tener como referente ni a «los Simpsons» ni a «Futurama», ya que son series totalmente distintas en lo que respecta a lo narrativo. Es cierto que hay muchas referencias a ambas series, Elfo nos remite a Bart, mientras que la princesa es una mezcla entre Lisa, Bender y Homero. Pero en general, este es un relato que se diferencia por una simple cuestión, aquí hay una historia que continua con cada capítulo terminado. «(Des)encanto» posee una narración tradicional lineal, una historia que comienza en el capítulo 1 y que continua hasta el final, a diferencia de las otras dos antes mencionadas donde cada capítulo es una historia independiente del resto.

El humor utilizado en esta serie es muy sencillo y divertido en varias oportunidades, pero bastante inexpresivo en tantas otras. Los chistes están, algunos son más efectivos que otros y la mayoría poseen una simpleza bastante alarmante, que remite a lo sucedido en las últimas temporadas de «Los Simpsons».

Matt Groening creó aquí un nuevo mundo. Un universo medieval plagado de personajes ricos, de situaciones disparatadas y de una belleza visual sorprendente. El estilo acuarela de los colores en los planos generales, la animación fluida y las excéntricas personalidades de los roles secundarios crean un combo con el que el espectador se puede sentir satisfecho con mucha facilidad. Es una serie muy bella desde lo visual y muy sencilla desde lo narrativo.

«(Des)encanto» tiene sus problemas, pero en el fondo se disfruta. Es una serie que empieza de manera regular, con una presentación de los personajes bastante estirada y tonta, pero que mejora considerablemente mientras los capítulos van pasando.

Hay que darle una oportunidad. Hay que superar los primeros capítulos para empezar a apreciar el verdadero potencial de la historia y las locuras que estos personajes tienen para ofrecer.

Este nuevo trabajo animado termina su primera temporada de golpe, en un final bastante inexpresivo que no cierra ninguno de los puntos de su narración. Una puerta gigante para la segunda parte, la cual estrenará a comienzos del 2019. 

El desafío está en la respuesta del público. En ver si tiene el mérito de seguir año a año como lo ha hecho «Los Simpsons» o si tendrá la lamentable fortuna de «Futurama». Potencial y herramientas para lograrlo tiene.

CALIFICACIÓN: 6/10 BUENA.

Crítica de: Moana (2016).

John Musker y Ron Clements, directores de los clásicos de Disney «La Sirenita», «Aladdín» y «La Princesa y el Sapo», vuelven a regalarle al espectador un cuento con todos los toques tradicionales de la productora. «Moana» es un relato divertido, colorido y bellamente animado que encantará a grandes y chicos.

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Crítica de: Seoul Station (2016).

En el 2016 Yeon Sang-ho nos regaló una de las mejores películas de zombies de los últimos tiempos. El filme titulado «Train to Busan» remarcó que un género tan trillado como este no está perdido. «Seoul Station» es la precuela de dicha película y, además de ser diferente en estilo, es un relato más social y con menos acción, pero atrapante.

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Crítica de: Angry Birds, la película (2016 – Angry Birds).

La animación es uno de esos géneros en los que se permite sin miedo al ridículo explotar una idea comercial para comenzar o seguir vendiendo productos que nunca fueron creados con la intención de llegar al cine. «Trolls», «Monopoly», «Emojis» y tantas otras películas estrenaron y fueron anunciadas con estos motivos. Cuando se presentó «Angry Birds» era dificil no ver las intenciones de marketing de fondo, pero, al igual que sucedió con el filme de «Lego», el resultado es satisfactorio. Esta propuesta basada en el popular videojuego tiene más aciertos que problemas y regala un buen entretenimiento para los más chicos.

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Crítica de: Kubo y La Búsqueda Samurái (2016 – Kubo and the Two Strings).

En el 2009 una nueva productora de animación sorprendió al mundo con el estreno de «Coraline«. Laika, que había trabajado en «El Cadáver de la Novia«, se convirtió en una original y distinta representación audiovisual en el mundo stop-motion. Tres años más tarde, produjeron «ParaNorman» y, pese a que el resultado no tuvo el impacto del primer filme, se afianzaron como una empresa con calidad digna de competir con las grandes productoras de Hollywood. «Kubo» es su cuarto largometraje y un maravilloso deleite visual para los ojos de niños y adultos. 

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